USA - 2003 (Van Helsing)

Genre : Patchwork et mat cramé
Réalisateur : Stephen Sommers
Scénario : Stephen Sommers
Directeur de la photo : Allen Daviau
Casting : Hugh Jackman, Kate Beckinsale, Richard Roxburgh
Musique : Alan Silvestri

Un mien ami disait récemment qu'il avait hésité entre les mentions
"moyenne" et "mauvaise" après visionnage de Van Helsing.
Et bien pas moi, j'ai mis nul à chier direct car je crois ne pas avoir vu pire dans le genre ravage de l'œuvre de Stoker. Cependant je comprends son embarras. En fait, je l'ai trouvé tellement incroyablement nul que j'ai ADORE.
A ce point de grand portenawak on flirte avec le sublime.

Ainsi, le célébrissime chasseur de vampires et streums en tout genre est de retour dans une énième adaptation sur grand écran. Après avoir usé ses espadrilles jusqu'à la corde dans des oeuvres de series B, Hollywood, en la personne de Stephen Sommers lui offre un blockbuster à la mesure de son abnégation. Il pourra enfin s'offrir un paire de bottes décente.

Je ne vais donc pas épiloguer 80 lignes sur un choix d'acteurs douteux
ou d'un plan miraculeusement pas complètement foiré, car outre l'aspect visuel correct, esthétiquement laid, mais correct, mais laid, mais correct quand même, tout le budget étant visible à l'écran, il n'y a pas gras à sauver dans ce consternant flim*:
Un scénar improbable écrit en 10 mn sur un post-it, tout est tellement téléphoné que c'est à ne pas y croire, du déjà vu un peu partout et en mieux, des acteurs carrément approximatifs voire pitoyables, une mise en scène vite faite sur le côté, une bande son INSUPPORTABLE, merci Alan Silvestri, on t'as connu plus inspiré, des dialogues à pleurer de rire.

Mais heureusement, dans Van Helsing, il y a aussi ;
un Wolverine qui lance des planitrons, une héroïne de Underworld qui chasse du vampire (N'IMP-o-r-tequoi), un Quasimodo qui s'est pris pour Mister Hyde, un Comte Dracula priapique et cabotin, un monstre de Frankenstein qui marche à la Wonder, un loup-garou à sa mémère, des succubes panées dans la farine, des bébés chauves-souris tombés dans la même cuve à chewing-gum que Rabbi Jacob, des ancêtres franciscains de l'Inspecteur Gadget, des villageois roumains en grève, un Igor toujours aussi con et bossu et des nuits de pleine lune tous les soirs. J'en passe et des moins pires.
Pour avoir réussi à ériger au rang de concept une telle somme d'inepties,
je lui tire ma casquette.

Si Stephen Sommers tirait, quand à lui, plutôt pas mal son épingle du jeu avec le 1er opus de La Momie, c'est sûrement par son axe 2nd degré. Van Helsing est tellement dénué d'humour que le ton emprunté et concerné
des interprètes de cette oeuvre de série z pour zorblub tourne rapidement l'ensemble en grosse farce à tomate. Un bien bel exercice de style en somme(rs).
Plus sérieusement on sent vraiment la retouche à tous les étages.
Le scénar a forcement été remanié moult fois et les producteurs avisés, de ce qui restera comme le plus gros ratage du genre, ont sûrement mis leur grains de sable dans les rouages. Je ne vois pas d'autre explication.
Ou alors, peut-être...

Si j'osais...

Et si Stephen Sommers était un génie!

Alors là je dis :
Vivement Van Helsing 2, Le Retour de la 7ème Compagnie Au Clair De Lune,
Van Helsing 3, Et Les Goaoulds
Van Helsing 4, Contre L'Homme De Fer.

*Flim : bouse en 24 images secondes à base de jus d'chips (cf: Le Grand Détournement, La Classe Américaine)

Aswip'

Le pour : chef d'oeuvre d'un genre nouveau
Le contre : alors là, vraiment je ne vois pas...

Sud-Corée - 2003 (Old boy)

Genre : Poulpe fiction
Réalisateur : Chan-Wook Park
Scénario : Chan-Wook Park, Jo-Yoon Hwang, Joon-Hyung Im, Tsuchiya Garon
Directeur de la photo : Chung-Hoon Chung
Casting : Choi Min-shik, Yoo Ji-tae, Kang Hye-Jeong
Musique : Young-Wuk Cho

Quel est donc ce trauma qui afflige les jeunes réalisateurs coréens?
15 ans de dictature? D'enfermement? Une compétition acharnée pour exister face à l'hégémonique frère ennemi nippon? L'échec en quart de final lors de la dernière coupe du monde de foot?
Pour sur, une inextinguible soif de vivre et l'envie de le faire savoir.
Un besoin de reconnaissance à tout le moins.

Pour se faire, passez à la moulinette les scènes les plus violentes d'un Peckinpah, ajoutez de la virtuosité de réalisation d'un Tarentino, saupoudrez d'humour noir à la Kitano puis d'une pincée de lyrisme à la Anny Cordy. Dégeulez le tout sur les Gucci d'une de ces rombières de critiques ciné qui peuplent les projections presse. Plus d'une (ou d'un d'ailleurs) à dû quitter son siège, outré(es), lors de la présentation de Old Boy à Cannes. Des crachats gages d'une qualité indéniable en sus d'un Grand Prix du jury, lui, amplement mérité.

Le postulat de départ était plutôt prometteur.
Après une bonne biture des familles, Oh Daesu, excellent Choi Min-Shik, se retrouve enfermé dans une pièce sans savoir ce qu'il fout là, qui sont ses geôliers ni combien de temps ils comptent le tenir au secret. Ce petit manège durera 15 ans.
Il aura tout le loisir de se poser des brouettes de questions, de hurler, de supplier, de s'adonner à quelques tentatives de suicide, mais aussi de renforcer ses poings et sa tête et de regarder le monde extérieur par la petite fenêtre sur le monde de sa cellule, la télévision.
Autant dire qu'à sa libération il sera animé d'un esprit revanchard prononcé.
Pensez-donc, passer 15 ans de sa vie à mater la téloche en eut rendu plus d'un complètement maboule. Au moins, les bourreaux du Comte de Monte Christo ne poussèrent pas la cruauté jusqu'à le forcer à regarder la Star-Ac 15 saisons durant. N'ayant au moment de sa libération guère plus de réponses à ses interrogations que lors de son incarcération, il va s'employer à obtenir des réponses par le biais de sa plus-value pieds-poings-tête. Aidé en cela d'un téléphone portable généreusement légué par l'homme mystère et d'un marteau trouvé au fond d'un placard.
Les révélations seront aussi longues à venir que le détenteur du secret aura été prompt à se faire connaître. Et s'en est presque dommage tant la première partie du film, relative à la captivité, est brillante. On se prend à imaginer quelques scènes de claustration supplémentaires, comme un répit, avant que ne sévisse la némesis Oh Daesu.
Elle était finalement très sécure cette pièce et sa routine journalière.

La bête est relâchée dans la nature. Et où elle passe, les dents ne repoussent pas. Pour mémoire, le tae kwon do (la voie des poings et des pieds) est le sport national en Corée. Et c'est évidemment ce qui saute littéralement à la face lors du visionnage de Old Boy. Cette violence surbrutale des corps qui s'entrechoquent est moins létale que les balles de 9mm des justiciers hollywoodiens, mais tellement plus douloureuse qu'elle rappelle à une humanité très crue et presque oubliée dans le cinéma dit d'action. Les poulpes aussi sont crus, et vivants, avant que la bête ne les déchiquette de ses crocs acérés. Amis des mollusques céphalopodes et activistes de la SPA de tous poils, s'abstenir. Heureusement, le dentiste n'est pas dénué d'une certaine dose d'humour, désamorçant ainsi le pénible de la consultation. Malheureusement pour les plus sensibles de la gingivite et de la racine, son humour est grinçant comme une craie blanche sur tableau noir.
Blanche, la face de clown triste et résolument solitaire de Oh Daesu,
noire, sa tignasse hirsute de bête affamée de la chair de son ennemi.
Rouge, le sang desdits ennemis.
Rose...
Roses, les lèvres sensuelles de Mido.

Malgré quelques mauvaises intentions, quelques séquences outrancièrement mémorables et une ostensible envie de bien faire, Old Boy aurait mérité de passer à la postérité. Pourtant, son côté un peu "show-off" peu aisément agacer. Même si l'on est pas une de ces rombières de critiques ciné qui peuplent aussi les magazines féminins. La scène du commissariat laisse penser, à elle seule, que le jeune réalisateur coréen Park Chan-wook
à décidément comprit bien des choses au 7ème art. Reste à lui de gagner en sérénité ou de s'affranchir de l'exercice d'adaptation de mangas pour vieux garçons frustrés dont Old Boy est issu.

Tarantino, intronisé président du jury au dernier festival de Cannes, à hésité à lui donner la palme d'or. On comprend pourquoi.
Voilà typiquement le genre de film qu'il révère sans jamais parvenir à en approcher l'âme. Sûrement parce-que la Corée à plus à dire dans ce style de film que les Etats-Unis.
Et Quentin aurait mérité de naître coréen.


Aswip'

Le pour : l'ensemble
Le contre : le détail

USA - 2004 (Catwoman)

Genre : Film de chatte
Réalisateur : Pitof
Scénario : John Rogers, Mike Ferris
Directeur de la photo : Thierry Arbogast
Casting : Halle Berry, Benjamin Bratt, Sharon Stone, Lambert Wilson
Musique : Hoobastank, Mis-Teeq, The Hiss...

Et un super-héros de plus au panthéon des adaptations cinématographiques
hollywoodiennes foireuses, un!
Une fois n'est pas coutume, le super-héros est une super-héroïne.
Une fois n'est pas coutume, le réalisateur américain est un réalisateur français. Pas de quoi sortir le drapeau tricolore cependant tant la faillite de l'exercice est totale, le naufrage complet. On aurait pu le présupposer, ayant à l'esprit une autre adaptation de sinistre mémoire. Vidocq.

Explorateur, relativement doué dans le domaine des effets visuels, mais certes pas réalisateur, l'application qu'a mis le frenchy Pitof à accumuler les poncifs du genre, allant j'usqu'à innover dans la connerie, mérite qu'on salue son Catwoman. Quelle constance.
On pensait naïvement qu'il faudrait se lever de bonne heure avant d'égaler
en nullité un Dardevil... Hé bien c'est chose faite.
Et c'est Français Môssieur!

Donc, cette grosteque adaptation à l'écran de La Femme-Chat s'adresse à
un public de 4 à 12 ans. Disons j'usqu'à 13-14 si vos enfants ont du retard. Le pari insensé, aux vues du public visé, c'est que ce film est totalement
dénué d'humour. Or il est notoire que les enfants apprécient particulièrement de rire au cinéma. Hé bien non. Pas de rires programmé dans ce film. Ce n'est pourtant pas faute de prendre l'auditeur pour un taré.
Et le faire en usant d'un premier degré affiché et constant, est carrément suicidaire. Ca doit-être le côté maso-cuir qui à déteint.
En effet, les enfants ont le cynisme en horreur. Il les met mal à l'aise.
Ils sentent immédiatement qu'on se fout de leur gueule.
Et dans le genre, ce film est un summum.

Halle Berry joue la cruche avec tant de conviction, et ce durant les 3/4 du film, que lorsqu'elle endosse son complet en vachette top sex, on a du mal à intégrer ses accès de schizophrénie dominatrice et fouettarde. Elle également d'ailleurs. Quel talent.
En effet, son interprétation de Patience Philips, employée modèle vaguement artiste, mais tellement insipide et bêtasse qu'on a qu'une envie c'est de la tarter, est assez loin de ce à quoi elle nous a habitué.
Son changement de brushing douteux et sa piètre parodie de Michelle Pfeiffer ne rendent le personnage de Catwoman que risible et pathétique.
Son comparse flicaillon gendre idéal est tellement symétrique de gueule, tellement omniprésent qu'il arrive toujours au bon moment avec du pain et des croissants, tellement transparent qu'il n'en finit plus de saouler.
Et en 5 minutes on à une idée assez précise de son rôle dans la trame dramatique. Dramatique, l'interprétation de Lambert Wilson.
Résolument cantonné au statut de méchant (français) de service. Avec un peu de chance, son ultime consécration hollywoodienne sera de jouer un salop (français) dans le dernier opus de la trilogie Star Wars. Ensuite, il retournera aux limbes d'où il vient. Dans des films d'auteurs, en France.
Pathétique, Sharon Stone, qui en dépit de l'ironie du choix de son rôle et du jeu avec son statut d'icône, parvient difficilement à masquer derrière sa crème de jour qu'elle a des impôts à payer ou qu'elle cherche à revenir sous les spotlights à toute force. L'un n'empêchant pas l'autre. Gageons que les zéros sur le chèque furent proportionnels à l'ampleur du navet. Car après un tel fourvoiement, seul un Scorcese ou un Spielberg pourraient la sortir
de l'abîme dans lequel elle vient de s'enfoncer.

Alors évidemment le petit français n'est sûrement pas le seul à blâmer de cet incroyable ratage. On sait que la latitude du metteur en scène dans ce genre de commande est des plus restreinte. Mais s'il avait besoin de s'expatrier pour commettre ce méfait, il serait tout aussi inspiré de rester au Far West. Kassovitz, dans des conditions similaires, ne parvenait pas à convaincre avec son Gothika, mais il avait au moins pour lui d'accoucher d'une mise en scène intéressante et une certaine main mise sur sa direction d'acteur. Ici, La mise en scène n'a aucun relief, pire, aucune intention. Que d'effets gratos malgré le dynamisme de rigueur imposé par un cahier des charges bien lourd. A noter tout de même que la version française sauve quelque peu l'interprétation originelle. Et ce fait d'arme est si peu courant qu'il en deviendrait presque saugrenu. Un ban donc, pour le travail des doubleurs français.
Sorti de là, la narration ne veut rien dire, les dialogues ne parlent pas, la BO est digne d'une compile pour ascenseur, cible, les adolescentes consommatrices de MTV Love et ses sessions nocturnes RNB.
Que dire du pauvre message féministe délivré dans ce sous-produit, si ce n'est qu'il sûrement tiré d'une réclame des années 60 pour SOS Femmes Battues. Ou littéralement du comics.
Les effets un peu spéciaux, sont, comme souvent, le rare intérêt de ce genre d'entreprise. C'est quand même cher payé pour mettre en scène des séquences de la prochaine pub pour L'Oréal.

Il n'y a plus qu'à souhaiter que Catwoman fasse le four qu'il mérite. Histoire que les producteurs américains d'entertainment y songent à deux fois avant de réadapter un super-héros, avant d'en confier la réalisation à un mauvais, avant de prendre le public de ce genre de productions pour des demeurés, avant de faire une suite à cette crotte de chat. Malgré sa présence dans quasiment tous les plans, la belle black en vogue à hollywood n'est pas prête de faire oublier la prestation d'une autre belle blonde, qui en 15 minutes aux côtés d'une chauve-souris, explosait tout sur son passage et marquait définitivement les monde des super-héroïnes de sa patte.

Si ce chat là pouvait ne pas retomber sur les siennes, qu'il s'écrase comme une merde, et surtout, par pitié, qu'il n'ai pas neuf vies.

Et vivement les super-héros façon Pixar.

Aswip'

Le pour : les reins de Halle
Le contre : tout le reste

US - 2004

Genre : Thriller insoporifique
Réalisateur : Brad Anderson
Scénario : Scott Kosar
Directeur de la photo : Xavi Giménez
Casting : Christian Bale, Jennifer Jason Leigh, Aitana Sanchez-Gijon
Musique : Roque Banos

Partagé entre travail et insomnie... La routine et la joie infime d'un café à la cafétéria de l'aéroport en compagnie de Marie... Trevor reznik survit.
Mais qu'est ce qui peut clocher dans la vie de Trevor, ouvrier machiniste dans une usine de métal ? Pourquoi souffre t-il d'insomnies depuis un an ?
Qui est cet homme si étrange qui le suit et pourrait presque le connaître et le comprendre ? On croit savoir, mais non et puis on s'embrouille...
On perd pieds...
On glisse, Trevor glisse...

The Machinist est le genre de film rare qui passe en salle et qu'on peut rater si on compte sur le battage médiatique pour être tenu informé de ce qui se fait de sympathique. Car en effet, il est plutôt passé inaperçu et pourtant, il y a là des qualités certaines.
Il y a longtemps que je n'avais pas été bluffé par une mise en scène et un acteur, nommons-le Christian Bale pour l'occasion. En effet, sous la direction de Brad Anderson, le bon Christian s'est donné bien du mal pour incarner le rôle de cet insomniaque à tendance paranoïaque névrosé, a savoir que là ou beaucoup prennent du poids pour jouer un personnage, Mr Bale excelle dans l'extrême inverse. Et là on pourrait dire qu'il mouche pas mal de gens niveau mise en condition du personnage tant il est transformé et effrayant. Ceci lui donnant une crédibilité et une profondeur efficacement redoutable.
L'histoire tourne alors autour de cet homme, il est toute l'énigme, hanté, poursuivi, malmené par sa tasse dé café et le sommeil qui le poursuit sans jamais le conforter. La prise de vue de sa vie est excellente, son corps en perdition témoigne en sa défaveur et Anderson laisse parler la caméra dans une image impeccable, soignée, sombre et décadente pour nous décrire Trevor et sa folie naissante.
L'histoire est simple, intemporelle et mystérieuse mais malgré ce qu'on pourrait croire d'acquis dans le scénario, on se laisse guider par la curiosité au fur et à mesure que l'on progresse dans sa vie. Brad Anderson rythme son histoire sans relâche jusqu'à la fin donnant peu de chance au spectateur de découvrir le pourquoi du comment avant l'heure. Ponctuant d'incides exacts et subliminaux, là où l'on croit perdre le fil et deviner l'envers de l'histoire, le récit prends un autre tournant et redevient intéressant avec un montage et une photographie unifiant et donnant le ton juste. Signalons aussi une juste présence de Jennifer Jason Leigh donnant la réplique et l'écho à la détresse certaine du rôle principal.
A la fin du film, on pourrait prêter à Brad Anderson d'avoir eu comme professeurs D. Lynch, A. Hithcock et F. Kafka tellement on reconnait une inspiration et un hommage savant entre ces trois sommités. Avec quelques courts métrages et un premier long auto-produit il y a quelques années, je trouve qu'il est plutôt doué le bougre d'Anderson pour un premier film à budget plus important (essentiellement espagnol soit dit en passant, les productions américaines n'ayant pas voulu produire ce film).

The machinist ravira les amateurs, d'histoires en boucles, d'ellipse, de personnages étranges, de paranormal, de serial killer, de musique industrielle, de paranoïa, de lumière au néon, d'usines crasseuses, de post-it, de jeu du pendu et de Christian Bale. Pour l'anecdote, en plus d'avoir perdu 28 kilos en moins 3 mois, il semblerait que ce dernier n'a pas dormi durant 48h pour jouer certaines scènes.

De quoi vous faire apprécier le bon vieux confort de votre matelas.

Yerom

Le pour : Un Christian Bale en grande forme
Le contre : Certaines scènes peuvent choquer les enfants et les insomniaques

US - 2000

Une pluie fine tombait sur les pavés lorsque j’emmergais du tunnel par lequel je suis sorti de la salle. Il faisait encore jour en ce jeudi, plus pour très longtemps me disais-je. Le soleil avait déja bien entamé sa course au crépuscule. A travers les nuages, j'étais comme souriant d'apercevoir quelques parcelles de bleu clair.
Je me remémorais encore les images de ce requiem, un peu perdu entre les gouttes.
De toutes sortes, de toutes les couleurs, je me suis tout pris, dans la tète d'un seul coup, aussi vite qu'une flèche sifflant dans les airs, oppressante comme un orage lourd et humide en été.
Je ne savais plus trop quoi penser de tout cela sauf un certain mal-être. Quelques chose dans mon ventre bougait et me disait que je n'étais pas indifférent.

Requiem for a dream m'a mis mal à l'aise. Moi qui suis pourtant généralement inébranlable devant certaines images ou ambiance, j'ai été renversé, pris de surprise par ce film.
Peut-être étais-je trop habitué par les films en vogue sur la drogue et sa perversité, trop habitué par le bon esprit des montages speed sur fond techno qui mettent la gouache avec lequel on se complait de rythmer les images. Mais il y avait autre chose derrière tout ça.
Quelques chose de caché depuis le début, derrière l'écran, terré même jusque dans le titre.
L'histoire de ces quelques personnages junkies cherchant de nouvelles expériences, prenant de la drogue comme j'ouvre la porte du frigo le matin pour attraper un yaourt aux fruits, laisse trainer quelques sourires au début. Les images sont séduisantes, la photographie impeccable et témoigne d'une maîtrise de l'image impressionante. Alors on se prend doucement à l'histoire, gentiment même. Cette interaction entre les personnages relate d'une grande complicité, Harry et Ty sont deux amis qui s'éclatent, font la fête, se délectent des plaisirs de la chair. Marianne et Harry forment un couple vivant la tète pleine de belles images, se faisant des "fix" pour voir encore plus loin dans cet album. Dans un montage déjanté voulant représenter un monde où l'on a plus tellement souvent les pieds sur terre, on assiste au déroulement de leur petite vie axée sur la consommation d'héroïne. Puis vient l'envie d'en revendre pour ne plus avoir à revendre la télé de sa propre mère. Cette dernière, accro a une autre drogue, les programmes télé, lui insufflant des messages promettant une vie meilleure où la solution réside dans le fait d'abroger la consommation de sucre et de viande rouge sur fond sonore de secte. Chacun dépendant de sa propre drogue lui servant quotidiennement sa part de rêve coloré au beau milieu d'une société perdue dans ses repères. Les images sont montées méticuleusement, servant la musique à merveille devenant quasi indissociable de cette dernière. Images grand-angle, ralentis, voix déformées sur fond de basse et techno hypnotisante, on flaire un "clip-video addict" dans le montage...
Les images deviennent la musique et vice-versa.
Mais le vice n'est pas si versatile que ça. Apparaissant de ci de là, ébrêchant la vie quotidienne au fur et à mesure. Il prend peu à peu l'emprise sur les personnages les ramenant peu à peu aveuglément vers l'impasse de leurs rêves impossibles. Les images nous montrant au loin, une déchéance prochaine, on se prend alors d'affection pour l'espoir et le fait de se dire que tout va aller mieux, plus tard...
Puis le vice se décale toujours vers le bas, décrivant la dépendance sous plusieurs points de vue, celle de la drogue, de la télévision mais aussi celle de l'amour... Comme si un engrenage tournait dans le mauvais sens de l'histoire, contre l'idée du spectateur. Le rythme devient de plus en plus osé et plonge les personnages vers un sort que l'on pourrait qualifier de cauchemardesquement malsain.
Mais tout va aller mieux, plus tard...
Et l'engrenage tourne d'un cran.
Jusqu'a quand tournera-t'il donc?
Darrel Aronofsky compte bien ne pas s'arrêter en si bon chemin et dépasse de loin les limites du désespoir. Emmenant tout le monde dans sa chute, spectateur compris.
Rarement, l'effet de drogue et de dépendance n'a été poussé à un si brillant et néfaste extrême visuel depuis peut-être Transpotting. Le jeu des acteurs (Jared Leto, Jennifer Connely et Marlon Mayans) est tout bonnement impeccable et impressionant dans la peau de leur personnages respectifs. A noter la présence d'Ellen Burstyn dans le rôle de la mère d'Harry, qui incarnait déja une mère en 1973, celle de Regan dans l'Exorciste de William Friedkin. Tous ces acteurs, le montage puissant, la musique décadente contribuent peu à peu à faire décaler l'engrenage vers le bas, et plus encore que ce que l'on croit, vissé sur notre siège et c'est fort...

Le seul moment où il s'est mis à remonter vers le haut est lorsque je suis sorti de ce tunnel appréciant cette pluie fine ruisselant sur les pavés.
Finalement, ce n'est pas si désagréable que ça la pluie.

Yerom

Le pour : Ca calme...
Le contre : Ce film peut déranger certaines âmes sensibles